Современное искусство: что почитать, чтобы вкатиться в него

Современное искусство делят на два этапа.

Первый этап — модернизм (modern art). Он начинается с импрессионистов (1860‑е) и заканчивается в 1970‑х годах. Художники этой эпохи хотели подорвать классические представления об искусстве. Модернизм — время часто радикальных экспериментов, поиска новых форм. Импрессионисты боролись с классическими сюжетами, кубисты — с изобразительной формой, футуристы — с традициями прошлого, дадаисты — со смыслом, конструктивисты — с разделением искусства и жизни, сюрреалисты — со всеобщими представлениями о реальности.

Второй этап в России называют современным искусством (contemporary art). Он объединяет работы, созданные в новой общественно-информационной реальности. Во второй половине XX века коммуникации упростились, а затем перешли в интернет. Новые медиа начали транслировать образы и информацию на интернациональные аудитории. Границы между культурами стали проницаемыми, как и между высоким и массовым искусством. Производство товаров тоже стало массовым, дешёвым и глобальным. Это эпоха постмодернизма, она продолжается до сих пор.

В русском языке есть путаница: название феномена (современное искусство) совпадает с названием одного из его этапов (современное искусство как contemporary art). Мы будем говорить о современном искусстве именно как о двух этапах единого процесса: периоде модернизма, который повлиял на нынешнюю ситуацию постмодернизма.

Ключевые события развития современного искусства

• Бунт импрессионистов против живописности. На момент второй половины XIX века заказчики и теоретики ценили изящные формы и понятные сюжеты. Художники рисовали битвы, исторические события, обнажённую натуру. Бунт против этой идиллии устроили импрессионисты и их последователи: они пытались запечатлеть сиюминутные изобразительные эффекты. Моне хотел поймать размытое, едва уловимое отображение на сетчатке глаза. Дега приравнял живопись к репортажной фотографии. Сезанн исследовал дисгармоничный зрительный опыт. Старые представления о живописи изменились. Художники отстояли право самостоятельно решать, что есть искусство, — без оглядки на критиков и академиков.

• Дюшан делает искусством повседневную вещь. В 1917 году художник Марсель Дюшан решил представить на выставке перевёрнутый писсуар. Он назвал свою работу «Фонтан». Объект не приняли, но его значение оказалось революционным. Оказалось, художественным произведением может стать любой предмет. А его статус определяется задумкой автора, признанием со стороны коллег, музеев и галерей. Работой художника стал не только писсуар, но и реакция публики. Дюшан оказался родоначальником сразу нескольких направлений искусства, в том числе — концептуализма.

• Поп-арт делает искусством массовую культуру. Дюшан сделал искусством обычный предмет, а Энди Уорхол и другие художники поп-арта сделали искусством рекламу, комиксы, газетные вырезки, дизайн суповой банки, различный ширпотреб. Это была их реакция на новую медиареальность: эпоху массовых коммуникаций, неоновых вывесок, постоянного теле- и радиовещания. Художники находили её обаятельной, навязчивой, подчас угрожающей. Представления о том, что можно увидеть в музее, вновь оказались пересмотрены.

• Перформанс и новое отношение к пространству. В начале 1950‑х авангардный композитор Джон Кейдж изучал эффекты случайности. Он создал произведение «4’33»", во время которого музыканты не производят ни звука. Содержанием композиции становятся случайные шумы: ветер за окном, шёпот, скрип стульев. Позднее Кейдж со своими друзьями устроил хэппенинг — одновременно лекцию, танцевальный показ и выставку, участники которой были вынуждены полагаться на собственную интуицию. В 1959 году критик и художник Аллан Капроу усовершенствовал эту концепцию. Он разделил пространство галереи на зоны, разбил произведение на акты и раздал участникам карточки с указаниями, чтобы никто не знал заранее, что нужно делать. Так появился перформанс. В искусстве зародилось новое понимание времени, телесности и пространственных ощущений.

Что читать, чтобы понять современное искусство

1. Уилл Гомперц, «Непонятное искусство. От Моне до Бэнкси». Издательство «Синдбад», 2016.
Самое популярное введение в современное искусство создал Уилл Гомперц — в прошлом редактор Би-би-си, а сейчас сотрудник центра исполнительских искусств Барбикан. Это очень доступный текст: написанный с чувством юмора и без сложной терминологии. При этом он охватывает все этапы истории, богат деталями и инсайтами. «Непонятное искусство» — оптимальный вариант для быстрого и лёгкого погружения в тему.

2. Розалинда Краусс и др., «Искусство с 1900 года: модернизм, антимодернизм, постмодернизм». Издательство «Ад Маргинем», 2021.
Всеобъемлющая история современного искусства от передовых американских теоретиков. Это огромный том (почти 900 страниц) с новаторской системой навигации. Читатель может сам выстроить маршрут чтения: по странам, стилям, именам и тематикам. Авторы используют социальную историю, психоанализ и философию. Их статьи — подробные академические тексты, которые требуют внимательного изучения. В книге много иллюстраций и дополнительных материалов. Если вы уже разбираетесь в гуманитарных науках или хотите испытать свои силы — берите её.

3. Книги издательства «Ад Маргинем».
Помимо «Искусства с 1900» в каталоге «Ад Маргинем» много других книг об искусстве. Часто эти издания помогают погрузиться в одну конкретную тему: перформанс, стрит-арт, импрессионизм, историю квир-искусства, устройство музея и так далее. Есть несколько детских книг, например «История картин для детей». Если не знаете, как подступиться к современным произведениям, посмотрите стратегии из текстов Оссиана Уорда, Саймона Морли и Виктора Меламеда.

Куда идти, чтобы познакомиться с современным искусством

Обратите внимание на просветительские инициативы музеев и галерей: лекции, семинары, экскурсии, ридинги. Как правило, всю нужную информацию можно найти на официальных сайтах. Иногда в институциях работают специальные отделы: например, в Эрмитаже — Молодёжный центр с отдельной программой событий, а в Русском музее — Студенческий клуб.